Desde el nacimiento del hombre este se ha desenvuelto por su hábitat. Un gran elemento del hábitat ha sido las plantas, ya sean en forma de flor, arbusto, árbol, etc.
Durante la prehistoria no encontramos ninguna referencia artística a la vegetación pues el hombre desarrolló su arte con una expresión mística, buscando mayor caza, etc., los elementos de la vegetación no se encuentran presentes en su arte ya que los encontraban con mucha facilidad y no tenían falta de ellos.
No será hasta el nacimiento de la civilización celta en Europa que veremos referencia a la vegetación. Entre sus escudos veremos formas entrelazadas geométricas, haciendo referencia a las enredaderas y raíces de los árboles. Cabe destacar la imagen del árbol de la vida el cual representa la unión de entre toda la naturaleza. La vida del ser humano se relacionaba de manera muy íntima con los bosques. En su creencia, el árbol componía los tres ejes en los que el cosmos estaba dividido: el subterráneo, por sus raíces. El terrenal, por su tronco, y el celeste, por sus ramas.
La cultura egipcia se desarrolló a orillas del río Nilo. Esta cultura tuvo una cultura politeísta, adorando a diversos dioses. La vida a orillas del Nilo se caracterizaba por las subidas y bajadas de este que permitía el cultivo de cereales. 
Fue tal la importancia del cereal en la civilización egipcia que pusieron una semilla, para utilizarla en la vocal “O”. Además los egipcios tienen las primeras pinturas realizadas referencia a la botánica. En ellas vemos desde el cultivo de campos con arados de bueyes, hasta jardines.
En las tumbas de los emperadores también se encuentran jarrones llenos de semillas para la alimentación de estos en la otra vida y pinturas en las paredes de la vida después de la muerte. Aparecen jardines en los cuales los reyes podrán pasar su tiempo.
Los egipcios fueron los primeros en crear jardines. En la antigua Babilonia encontramos referencias a los jardines de esta civilización y Digna de mención la construcción que tuvo lugar allí. El nacimiento de los primeros Jardines Colgantes de Babilonia.
En las culturas clásicas Europeas, griega y romana, vemos ya un asentamiento de conocimiento de la idea de naturaleza, tal es el caso que en ambas culturas habrá un dios dedicado a la naturaleza.
En la antigüedad griega los capiteles corintios emulan la forma de las hojas.
Los griegos crearon un premio que se entregaba durante los Juegos Olímpicos a los campeones, poetas y grandes guerreros: recibían una corona de Laurel. Este premio viene de la mitología griega que cuenta el mito de Apolo y Dafne. 
“Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual determinó convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria». La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.”

En Japón, y en general en oriente la relación con la naturaleza es diferente de la de occidente, una relación basada en un profundo respeto. Su arte y su escritura siempre ha estado ligado al paisaje, el agua y la montaña. El Ikebana, (“flor viva colocada”) es un arte antiguo que emerge del concepto de naturaleza arraigado en la cultura japonesa, como en otras muchas formas de arte japonés, tales como la caligrafía, la ceremonia del té y la poesía haiku. El ikebana es una disciplina basada en una forma de vivir en comunicación con la naturaleza, y no sólo un simple arte floral. Se trata de la composición de motivos decorativos mediante flores, aunque también ramas, hojas, frutos y semillas. Se trata de obras efímeras que se convierten en un acto de reflexión sobre el paso del tiempo.

“Todos los que logran sobresalir en el arte poseen una cosa en común: una mente en comunión con la naturaleza a lo largo de las estaciones... y todo lo que ve una mente así es una flor y todo lo que una mente así sueña es la luna...”  Matsuo Basho

En la cultura japonesa encontraremos un tipo de arte muy antiguo, son los bonsáis. Provienen de la China de hace dos mil años, donde el árbol era símbolo de eternidad para los monjes taoístas. Se trata de un arte que en principio estuvo ligado a la nobleza y la alta sociedad. Consiste en transmitir todas las características de un árbol desarrollado en naturaleza a uno en miniatura. El árbol reduce su tamaño mediante técnicas como el transplante, y la poda, y se moldea su forma mediante el alambrado y pinzado. Los japoneses perfeccionaron el arte del bonsái hasta convertirlos en lo que son en la actualidad, un gran número de estilos. Según Horacio Fernandez, el arte de los bonsáis está directamente ligado con el de la tortura.
La flora desempeña un papel fundamental en la cultura india, donde está muy arraigado el vegetarianismo. Ek simbolismo del árbol es mencionado en algunos de sus himnos.
En la civilización romana encontramos que la idea de lo vegetal está arraigado con más fuerza. En esta civilización no sólo se cogerán conceptos de Grecia, como el capitel corintio y la entrega del trofeo de la corona de laurel, sino que también empezarán a construir jardines en las villas romanas de los ricos, lugares en los cuales colocarán esculturas y sitios de relajación para el disfrute del paseante.
Durante el románico en Europa veremos como en las iglesias habrán evolucionado los capiteles y se utilizará la vegetación para decorar gran parte de las estructuras de estas. También aparecerán las primeras telas con decoración florar en Europa.
En la cultura islámica y Al-Ándalus encontramos muchas referencias al tema de la botánica. 
 En el Corán sale que Mahoma prohibirá la representación de él o de dios en forma humana. Gracias a esto los musulmanes representarán a Alá y Mahoma en forma de planta.
Para hablar de los elementos artísticos de vegetación se puede poner de ejemplo la Alhambra ya que en ella vemos cómo los musulmanes desarrollan toda su creatividad.
En los frescos vemos pinturas de plantas e historias en las cuales salen animales y plantas interaccionando.
En la arquitectura vemos como se inspiran en flores para realizar techos. Estos techos se construirán en relieve con formas geométricas, las cuales emularán flores abiertas en su máximo esplendor, pero para poder observar estas figuras, tendrás que estar colocado en una parte específica.
También vemos como construyen formas vegetales en ventanas para dejar que entre la luz entre los huecos y así crear zonas de entre luz.
Para recubrir las paredes y suelos, utilizaron azulejos para ocultar el material pobre con el cual estaban construidos los edificios, y al igual que en los techos encontraremos formas geométricas que emularán formas de flores abiertas.
La decoración en cajas, baúles, estuches, etc. seguirá la misma temática que en los azulejos.
En el gótico europeo destaca la figura del artista Giuseppe Arcimboldo. Este artista de origen italiano destacó por su forma manierista de pintar retratos humanos y bodegones. Utilizó diversos elementos para recrear perfiles humanos. Destaca su serie de las estaciones en las cuales utilizaría solamente flora para construir estos “rostros”.
Ya en el gótico empiezan a construirse las primeras catedrales. En catedrales e iglesias seguiremos viendo la ornamentación vegetal que se va desarrollando desde la cultura griega. También empezamos a ver rostros cubiertos por hojas, como en la catedral de León.
En el renacimiento vuelve a surgir la idea del hombre como elemento central. En este estilo empezaremos a ver paisajes en los cuales los hombres están realizando acciones.
En esta época empezamos a encontrar los primeros grabados de plantas que se realizarán para ir montando las primeras enciclopedias con dibujos de plantas de la naturaleza.
En el barroco las iglesias y catedrales continuarán utilizando la decoración vegetal y aparecerá en los retablos esta decoración. Llegará a tal punto que parecerá sobrecargada.
El rococó será aún más recargado que el barroco.
De entre todos los recursos temáticos cabe citar los bodegones en los que solemos encontrar piezas de frutas y otros elementos vegetales, además de diversos animales de cría y de caza como utensilios domésticos, etc.
También aparecerá en España las procesiones cristianas, en las que se utilizarán recursos ornamentísticos vegetales 
Con el nacimiento de la revolución industrial encontramos un gran cambio en la historia, que será reflejada en el arte y en el tratamiento de la vegetación entorno a este.
El grupo de los prerrafaelitas será un grupo de artistas ingleses los cuales, basarán su arte como si Rafael y el renacimiento nunca hubieran existido y continuaran con  el arte en ese punto.
En sus obras vemos escenas bucólicas rodeadas de naturaleza. 
Destaca la obra “Ophelia” del artista John Everett Millais. Las obras de su periodo prerrafaelita estarán fijadas con gran atención en el detalle, gracias a eso vemos vegetación con total realismo.
Con el nacimiento de los movimientos obreros y la lucha por la libertad del pueblo obrero vemos al pintor Sueco Arnold Böcklin, que construirá sus cuadros a partir de paisajes. Destaca “El despertar de la primavera”, en el observamos cuatro figuras alegóricas, las cuales parecen estar triste, su idea es contrarrevolucionaria para esa época, ¿cómo se le ocurre pintar el despertar de la primavera triste?, los cánones de la primavera, belleza, luz, renacer, y pinta triste a las figuras, esto es rechazado por las gentes de su época. Sus cuadros serán rechazados por la sociedad ya que no seguirá los cánones establecidos.
Nace el estilo puntillista que se caracterizará por nacer de la naturaleza, determinará su técnica en realizar obras con solo puntos, utilizarán mucho la temática del paisaje.
Uno de los integrantes del grupo es Vincent Van Gogh, pero su trabajo sobre la naturaleza no vendrá determinado por el puntillismo, sino por su trabajo de paisajes y bodegones como por ejemplo su obra de los “girasoles”, en ellas vemos un trabajo diferente del color en la pintura. De este cuadro encontramos tres versiones en las cuales cambia el número de girasoles que encontramos, un cuadro con catorce girasoles y otros dos cuadros con doce girasoles.
Coetáneo a Vincent Van Gogh encontramos al pintor estadounidense William Merritt Chase, que pintaría muchos bodegones de flores y frutas, además de una gran serie de paisajes.
Nace el estilo naturalista. Este estilo está emparentando con el estilo realista. Buscará la representación de la realidad con una objetividad documental en todos los aspectos, ya sean sublimes o vulgares.
Con el nacimiento de las vanguardias empezamos a ver nuevas formas de trabajar la temática de la vegetación.
Viendo los últimos cuadros de Monet, en su jardín, vemos como trabaja diversos colores y construcciones. Destaca el cuadro de los nenúfares.
Antes del nacimiento del cubismo vemos la figura del pintor francés Enri Matisse. Su obra destaca por el color que utiliza.
En sus obras de interior como “La mesa roja” y “Naturaleza muerta” vemos el trabajo que realiza utilizando recursos vegetales. Sus plantas están representadas con formas simples y sencillas, las cuales son de fácil compresión.
La obra de André Derain al igual que en la obra de Matisse vemos una utilización de color muy fuerte. En sus paisajes vemos la utilización de colores muy intensos, cabe mencionar su obra de “Montañas de color” en ella observamos colores básicos puesto de tal forma que es comprensible la luz y sombra del paisaje, mostrando así una gran comprensión del color.
Derain pertenecerá al movimiento fauvista. Esta corriente se caracteriza por utilizar colores muy llamativos e intensos, uno de los recursos más utilizados en este movimiento será el paisaje, en ellos veremos vegetación pintada de cualquier color, desde azules a rojos pasando por amarillos.
Con respecto a la arquitectura modernista veremos nuevos edificios de cristal emulando partes de plantas, semillas, etc.
Con el nacimiento del cubismo vuelve a tomar fuerza la temática del bodegón, pero se planteará de una manera distinta.
Con las obras de Braque, uno de los padres del cubismo, vemos como trata la forma de los elementos. Pretendían construir una pieza de tres dimensiones en dos dimensiones viéndose en la de dos dimensiones todas las vistas de las tres dimensiones.
Sus obras se caracterizan por la utilización de colores apagados y grises.
En la obra “Fruit Dish” vemos como construye un frutero lleno de naranjas, colocando la fruta en todas las posiciones posibles.
Con Picasso vemos el tratamiento del primer cubismo, en su obra hay un tratamiento parecido al de Braque en cuanto a la forma, pero a diferencia de este Picasso utilizará colores más intensos.
En el campo del cine nacerá el primer documental de la historia. Robert J.Flaherty producirá “Nanook, el oso” que lo venderá a Nathional Geographic. 
Este documental no trata sobre plantas pero abrirá un nuevo género dentro del mundo cinematográfico que permitirá en los años venideros crear documentales sobre el funcionamiento del mundo vegetal.
Con el expresionismo se volverá a tratar la temática del paisaje. 
Con la figura de Münter. Nació en 1877 en Berlín, Alemania. 
Veremos un nuevo tratamiento de esta temática. Fue la máxima exponente del expresionismo de entre sus obras destacan “Calle del pueblo en invierno” en este cuadro se ve una influencia del cubismo y una fuerte expresión de los colores fríos para recordar el invierno. Además fue amante de Kandinsky el cual le fomentó esta parte artística aunque al final la abandonara.
Todo está melancolía quedará reflejada en sus últimas obras como “La Casa Rusa”.
La pintura surrealista se caracterizará por el trabajo irreal de las temáticas, muchas veces llamadas el mundo de los sueños.
De entre todos estos autores destacará la figura de Rene Magritte.
Este pintor de origen belga, construirá una serie de obras que se caracterizarán por su juego mental.
Obras como Ceci n’est pas une pomme caracterizarán todo el transcurso de su obra, aunque quizá sea más conocida Ceci n’est pas une pipe.
En el cuadro citado anteriormente vemos una manzana realista que tiene encima escrito en francés, esto no es una manzana, haciendo referencia a que es un cuadro.
En México encontramos una artista, Frida Kahlo, que pintará sobre sus problemas de columna.
En sus obras veremos cómo recure a la temática de la naturaleza para representar su autorretrato.
La veremos como un ciervo herido corriendo por el bosque, una mujer siendo absorbida por unas enredaderas, etc.
Con el nacimiento del arte pop aparecen una serie de artistas que trabajarán la temática vegetal, y especialmente las frutas:

Roy Liechenstein, este pintor estadounidense diferenció su arte por el trabajo del efecto moaré del comic, al ampliar una imagen.
Vemos obras en las que ha reducido el detalle prácticamente a la mínima expresión. 
De entre todas sus obras destaca una titulada “two apples” en la que vemos dos manzanas dibujadas pintadas de un color rojizo plano y con un rectángulo blanco a imitación de la luz, colocadas sobre lo que podría ser una mesa pegada contra la pared, en esta vemos el efecto moaré el cual caracteriza su obra, simulando un bodegón.

Robert Indian, este diseñador norteamericano destaca por su sencillez a la hora de construir sus obras.
Andy Warhol, posiblemente el mejor artista pop de la historia trabajaría temas y objetos de la vida cotidiana. 
En sus obras vemos colores planos y dibujos sencillos, pero precisos.
En “Banana” vemos una construcción sencilla de un plátano y la cascara, aparecen los dos separados y superpuestos.
En “Lemons” observamos lo que aparenta ser un collage, aunque es una serigrafía, en la cual ha utilizado cinco colores, amarillo, azul, morado, verde, amarillo y negro. Está compuesta por diez limones y sus respectivas sombras.

La vegetación, a menudo es usada para elaborar obra kitsch. El término surgió durante la segunda mitad del siglo XIX, cargado de connotaciones negativas. Se ha usado como sinónimo de “arte sin valor” o “indecencia artística”. Lo que distingue al kitsch del resto del arte de mala calidad es que atrae a mucha gente y, comercialmente, consigue competir con éxito con el arte de calidad. 
Determinados motivos, como un gatito peludo, un niño llorando o una joven con velo tocando el violín al atardecer en la orilla del mar se ajustan mejor al kitsch que otros. La vegetación, y más concretamente las flores en sus jarrones, se encuentran entre ellos. El objeto típicamente recreado por el kitsch se considera bello y cargado de emociones inmediatas, y además está pintado o representado de forma realista. Su atractivo sólo debe su fuerza al objeto representado, así que el propio cuadro exige que sea fácilmente reconocible. Tampoco aporta nada nuevo, puesto que no busca representar una idea compleja, sino fácilmente interpretable. Sus personajes no destilan personalidad propia, sino que son estereotipos, sujetos a aquello que ya ha existido antes y no sorprende.

Ya no se sueña con la flor azul; quien hoy despierte como Heinrich von Ofterdingen debe haber dormido demasiado.
Walter Benjamin

El artista puede elegir hoy en día acercarse a la estética kitsch por decisión propia. Puede considerarse mal arte si sus razones son meramente estéticas: realizar una obra bella sin más para suplir aquellos “anhelos de ocio de la sociedad trabajadora” del que se habla en un contexto elitista; O apropiarse de la estética para cumplir un objetivo, con conocimiento de qué es el kitsch y qué es lo que se está haciendo. El acercamiento al kitsch es una de las formas más sencillas de aplacar cierta nostalgia del romanticismo, el revivir el mundo histórico y huir de la realidad. Como ejemplo de estas obras está Puppy, de Jeff Koons. Utiliza gran cantidad de flores de colores para crear un perro de tamaño colosal que se nutre de esta idea. Las flores y el perrito responden perfectamente a la temática del kitsch, y su tamaño es un enorme grito de lo esteriotipadamente bello. Toda su obra pone en juego esta distinción entre arte y kitsch, y vuelve a abrir debate con cada una.

A finales de los sesenta, con la llegada del Land Art, el arte se desvincula del museo, y la vegetación y el paisaje cobra protagonismo. El espacio natural es el soporte de la obra, con toda una serie de manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje. El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Dentro de este tipo de arte hay una corriente centrada en las grandes dimensiones (Michael Heizer, Dennis Oppenheim, Walter de Maria o Christo) y otra más intimista como la desarrollada por Richard Long o Hamish Fulton.

Los jardines verticales tienen algo de relación con este tema, su supuesto creador, Patrick Blanc, es un botánico especializado en plantas del sotobosque tropical. 

En 2008 realizó el jardín vertical del Caixaforum de Madrid, situado en el Paseo del Prado. Se trata de un gigantesco tapiz natural que ocupa una superficie de 460 m2. Está formado por unas 18.000 plantas de 250 especies diferentes procedentes principalmente de Japón, China, Estados Unidos y Europa Central. Tiene una altura de 24 metros, un grosor de casi un metro y una longitud de 19 metros.

El Muro vegetal que Patrick Blanc construye es un entramado hecho con materiales artificiales que permite a las plantas asentarse en forma vertical y obtener, por gravedad, sus nutrientes. Sus obras no solo forman parte del paisaje urbano de muchas ciudades sino que también se emplean para decorar ambientes interiores de grandes tiendas o edificios, entre ellos muchos museos de Francia.

Andy Goldsworthy
Este artista británico es un escultor y fotógrafo que realiza obras de land art.
Sus obras están marcadas por un gran gusto a la hora de construir las obras y colocar los colores de los elementos.
Para realizar su obra Goldsworthy se mueve en la naturaleza buscando lugares en los cuales construirá formas geométricas.

Tony Matelli
Este escultor estadounidense realiza piezas en las que coloca plantas de al revés.
Utiliza jarrones y plantas de bronce pintado, que coloca sobre peanas.
Esta imagen hace que el espectador sienta que las plantas levitan en el aire delante de él.
En la obra “abandon” vemos como coloca plantas en las juntas de la galería, como si hubiera transcurrido el tiempo y las plantas hubieran ido tomando el lugar.
Esta obra recuerda a fábricas viejas y cortijos abandonados los cuales poco a poco van reintegrándose en la naturaleza, de dónde fueron sacados.
Parece ser que habla del ciclo de la naturaleza y la fuerza de esta para reclamar lo que es suyo.

Brittany Powell
Esta artista estadounidense trabaja con la escultura efímera.
Realiza construcciones con pan de molde y queso, en una de sus obras podemos ver como construye una flor que se intenta hacer referencia a una obra de Georgia O’Keeffe. Hace lo mismo con numerosos artistas.

Christiane Löhr
Esta artista de origen alemán se caracteriza por sus obras efímeras, cercanas al objeto encontrado.
Vemos que construye elementos con objetos de la naturaleza, realizando Ready-made.

Guy Catling
Este artista dentro del kichts, es un fotógrafo que trabaja el collage.
En sus fotos vemos cómo cambia elementos de la fotografía de guerra para colocar estampados y telas con ornamentación florida, creando imágenes visualmente muy potentes.

Helmut Smits
Este artista de los países bajos se caracteriza por construir objetos utilizando otros objetos.
En su obra observamos un ejemplo poético de los objetos, cómo transforma un objeto en otro, añadiendo un solo elemento.
En la obra Plants-Lamps vemos como transforma unos simples maceteros en unas lámparas de “diseño”.

Ibon Mainar
Esta artista trabaja el collage. Al igual que en Helmut Smits encontramos una poesía detrás de su obra. 
La obra “Landscape” recuerda un desierto. Los elementos de la obra un vaso de coca cola, posible referencia al agua y salvación del desierto, el cactus, sólo en mitad de la foto y las “nubes” de algodón separadas entre sí, rememoran el ambiete seco y solitario de una llanura, y como elemento “salvador” aparece coca cola.

Mateo López
Artista español. En su obra observamos el trabajo con elementos de la naturaleza. En su obra Helecho cabe destacar su sencillez pero a la vez fuerza conceptual.
Vemos un helecho dentro de una bolsa con un poco de tierra, la bolsa está cerrada.
La obra parece tratar sobre el hábitat, el cual se desenvuelve un individuo. Extrapolando la idea a nuestra persona podemos pensar que nosotros debemos cuidar nuestro hábitat para poder vivir en él.
Si nosotros destruimos o dañamos nuestro hábitat este hará que muramos, pues estamos sometidos a sus condiciones para nuestra supervivencia.

Myoung Ho Lee
Este fotógrafo sur coreano ha basado toda su obra en fotografiar árboles colocando una tela blanca detrás de ellos.
Sus imágenes curiosas a la vista, muestran un paisaje en el que encontramos un árbol con un fondo, emulando a un plató fotográfico.
Sus fotos hacen rememorar al trabajo fotográfico de los fotógrafos de publicidad.
Este elemento parece darle una importancia al árbol, sacándolo del lugar y trasladándolo a un sitio más importante. Como si al colocar una peana lo convirtiéramos en obra.
Esta obra me hace cuestionar elemento dentro de los rolles heredados de la sociedad, como títulos nobiliarios, etc.

Marc Quinn
Este artista inglés se caracteriza por la construir de obras impactantes al espectador, ya sea por tamaño, materiales utilizados o temática.
En la obra “The archeology of the Baroque” vemos una flor en porcelana realizada con todo detalle.
En la obra vemos el recargamiento total de la flor al ver hasta el más mínimo detalle de esta.
Parece ser innecesario tanto trabajo al contemplar esta obra, pero he aquí la cuestión, parece estar criticando el trabajo innecesario que realizan algunos artista para contar lo mismo. 
¿Por qué hacer una pintura hiperrealista si existe la fotografía?, también parece cuestionar las políticas de decoración de algunos elementos, por qué volver a hacer un paseo estando el qué está bien, etc. En definitiva la obra parece hacer reflexionar al espectador sobre cómo debemos de administrar nuestro propio trabajo.

Melanie Bonajo
Esta artista dentro del estilo landart, construye escenas “espiritualista” o altares en pleno bosque.
Sus obras recuerdan a la idea de brujo celta en medio de la naturaleza. A altares de santos en medio del bosque. O a recordatorios de sitios donde falleció alguna persona.
La obra tiene una esencia mística que le da un aire religioso a la fotografía y parece que estés descubriendo una nueva cultura en algún lugar perdido, parece tener un toque impresionista, lugar lejano en un país exótico.

Nienke Sybrandy
Esta fotografa trabaja con la idea de realidad.
En sus obras vemos un juego de construcciones de formas de realidades paralelas a esta realidad. 
Hace que el espectador se pregunte qué es real y qué no, por ejemplo una foto hay un lienzo cortado sobre una pared, el lienzo deja ver unas rosas, a la vez esta imagen está impresa sobre otro lienzo y es sujeta por una persona que no se ve la cara, esta se pone sobre un fondo neutro y realiza otra foto. Este conjunto de fotografías y elementos reales y fotográficos hace que el espectador tenga que pararse un periodo de tiempo mayor delante de la obra para que pueda entender su construcción.
Esta obra parece hablar de la filosofía platónica de sombras y realidades, y el mundo de la imaginación de Descartes, ¿qué es verdad y qué no?.

Perrine Lievens
Este escultor trabaja con la idea de fugacidad de la materia.
En la obra expuesta en el blog vemos, cómo unas plantas salen de una mesa de madera, pero si la observamos con más detenimiento parece que las plantas nacen de agujeros que han ido haciendo la carcomo.
Parece como si la obra estuviera siguiendo un ciclo. Árbol, mesa, carcoma, árbol,…
En esta obra podemos sentir el ciclo de la vida en un solo vistazo. 
La tierra ha creado un funcionamiento el cual es cíclico, todo tiene sus fases.

Scott Waters
Este pintor canadiense trabaja con ideas políticas. 
En las obras del atlas vemos como introduce aviones y helicópteros militares en estampados de flores, a la vez que los decora con flores.
Su obra es una clara crítica a la guerra y a la utilización de los países gasto en acciones militares.
Viendo el trato de la temática hace rememorar los movimientos hippies, que estaban en contra de la guerra y dibujaban y llevaban flores por muchos sitios.
En contraposición esta misma obra se puede ver cómo un elogio al ejercito del país al que perteneces y la decoración que ponen los diversos cuerpos en sus vehículos.

Yuken Teruya
Este artista Neoyorquino trabaja con material reciclado, arte póvera.
En la obra contemplamos tubos de papel de cocina y de papel higiénico de los cuales ha cortado formas y parecen salir árboles de ellos.
Es como si el pasado fuera ahora y el ahora quisiera ser pasado. Los royos de papel intentan ser los árboles que fueron antes de ser convertidos en cartón, se yerguen y sacan sus ramas para intentar tomar el sol.
Su obra parece hablar del reciclaje, de la naturaleza, y de la idea de presente y pasado, casi siendo la teoría de cuerdas, o universos paralelos.

BIBLIOGRAFÍA
TEXTOS:

- Benjamin, Walter: Kitsch onírico, glosa sobre el surrealismo. En El Kitsch, Ed. Casimiro, 2011,Madrid.
- Kulka, Tomas: El kitsch. En El kitsch, Ed. Casimiro, 2011, Madrid. 

LIBROS:

- John Yoshio Naka: Técnicas del bonsái. Ediciones Omega.   Barcelona,1991/2006.
- Huxley, Robert: Los grandes Naturalistas. Ed Ariel, Barcelona, 2005.

WEB:

- Gaëlle Barré: http://gaellebarre.blogspot.com.es/2012/05/imprime-bucolique.html
- Jenna Bumgardner: http://www.flickr.com/photos/jennabumgardner/
- Bernd Westphal: http://www.derklaus.com/bernd-westphal/
- Lucía Ganieva: http://www.luciaganieva.com/
- Nienke Sybrandy: http://www.nsybrandy.nl/
- Cole & Son: http://www.cole-and-son.com/
- Angela Dalinger: http://angeladalinger.tumblr.com/
- Tony Matelli: http://www.tonymatelli.com/
- Patrick Blanc: http://www.verticalgardenpatrickblanc.com/
- Helmut Smits: http://helmutsmits.nl/